Spot Lotería de El Niño

   En muchas ocasiones, lo que un actor da a cámara condiciona los
papeles que éste pueda desarrollar en el medio audiovisual. Y la verdad
es que todos podemos pensar en actores o actrices que se ven
encasillados en determinados roles, pero que, ciertamente, la imagen que
dan a cámara es la que se busca para ese tipo de personajes. Obviamente
también conocemos todos a intérpretes camaleónicos que se mueven de
igual manera en la comedia o en el drama, y que metiéndose en la piel de
un psicópata nos los creemos tanto como encarnando a un bonachón
inocente.
  Así que, sin querer justificar en modo alguno mis más que seguras
carencias actorales, faltaría más, debo admitir que casi siempre que me
han llamado para trabajar delante de una cámara, ha sido para hacer de
pánfilo. Pues sí, eso es lo que la cámara saca de mí; seguramente mi
personalidad, su organicidad y su expresión hacia el exterior tenga
muchos más matices, pero debo aceptar que para ella, para la cámara,
sólo soy eso, un pánfilo. Acato esta realidad que encuentro hasta
divertida, y ya puestos a encasillarme a mí mismo, me hace gracia
imaginar que pudiera incluso compartir cajón con intérpretes cuyo
trabajo respeto y admiro. Pienso, por ejemplo, en Gabino Diego, perfecto
rey pasmado.
  Ahora que se acercan las navidades, he recordado un spot en el que
participé, cómo no, haciendo de pánfilo: Lotería del Niño, año 2008. Mi
intervención, como veréis, es apenas de tres segundos. Muchos compañeros
sabemos, después de chuparnos cientos de cástings que, al margen de
cómo actúes, si tienes algún número para que te toque la lotería que
supone muchas veces este mundillo es porque tu cara, tu físico, tu
rostro, encaja justo con el que imaginaban los creativos o el director
del anuncio. Así que, una vez más, me escogieron para interpretar a un
pánfilo.
  Lo mejor de todo fue que el spot lo dirigió Fernando Colomo, y tener
la oportunidad de trabajar con él, aunque fuera en algo tan pequeñito,
sí que supuso un premio. La tranquilidad que transmitía en el rodaje se
agradeció mucho, se notaba que es un director de larga trayectoria y con
la templanza que otorga la experiencia. Terminamos de grabar al
mediodía y nos invitaron a quedarnos a comer allí mismo, en las mesas
que habían preparado los de cátering en la misma casa donde rodamos. Me
senté junto a mi compañero de escena, y Colomo se colocó junto a
nosotros. Compartimos juntos aquel almuerzo, hablando de la profesión y
de otros temas ajenos a ella, y siempre recordaré la amabilidad y
simpatía de este hombre.
  Pequeños recuerdos como éste ayudan a componer el mosaico que vamos
formando con nuestra vida, anécdotas que conforman la razón por la que
un día decidimos dedicarnos a este noble oficio.

EL ANUNCIO DEL MAÍZ

 

  Hace ya diez años que hice este trabajo de publicidad. Cosas de la tele y
de las campañas comerciales, se recupera ahora y vuelven a emitir este
anuncio, coprotagonizado con este niño tan salado. El anuncio me resulta
simpático, y la verdad, ¡es que estoy igualito, ja, ja!

AUTORRETRATO DE UN JOVEN CAPITALISTA ESPAÑOL

  En el Teatro Municipal de Palafrugell y dentro de la programación del Festival Í-taca, nos visitó Alberto San Juan, con este trabajo escrito, dirigido e interpretado por él mismo. Parece que los sucesos que estamos viviendo últimamente se alinean a la par que el espectáculo y, así, a los dos días de ver sobre el escenario como el actor desmenuza nuestro presente monárquico parlamentario, se hacía oficial la abdicación del campechano que ha ocupado la jefatura de estado en nuestro particular juego de tronos durante cuatro décadas. Continuamente tiene uno la sensación, sobre todo en los últimos años, desde que el crack de Lehman Brothers hizo que algunos se apresuraran a anunciar el fin del capitalismo (su refundación, puntualizaba Sarkozy, alias el pequeño Nicolás), de estar viviendo hechos históricos que sobrepasan la capacidad de cualquier dramaturgo para imaginar intrigas o revoluciones.

  San Juan echa la vista hacia atrás buscando de dónde vienen estos lodos, pero en una acertada elección escénica, más que respuestas nos ofrece preguntas. Esta es una característica, no ya del teatro, sino del arte en general, que a mi modo de ver nunca debería faltar para hacer interesante cualquier propuesta. Ya sea a través del recuerdo personal (genial la anécdota que le cuenta su amigo Margallo), o por medio de la cita histórica literal (el juramento de Juancar garantizando la continuación de los pilares en los que se apoya el Régimen, el del tío Paco) Alberto San Juan realiza un trabajo notable en el que se cuestiona hasta sí mismo, asumiendo el riesgo de exponerse no sólo como víctima, sino también como cómplice de este desfalco que padecemos hoy en día. Aquellos barros acabaron cubriéndonos a (casi) todos, pero se agradece que en este escenario el naufragio se muestre con buenas dosis de humor, con recursos actorales que nos certifican que estamos ante un actor riguroso, que se mueve por las tablas a lo largo de dos horas con una facilidad que pocos pueden, y que conecta con el público desde el juego y no sólo desde el discurso.
  Puede que, para algunos, este espectáculo resulte facilón (el sistema nos pone los argumentos para arremeter contra él en bandeja) o panfletario (como algunas críticas recibidas por el último disco de Nacho Vegas), pero con la que está cayendo, a mí se me hace obligatorio difundir estas verdades, que al final es lo que son. Verdades como puños, puños en alto en las calles, puños en alto en los escenarios.

 http://teatrodelbarrio.com/autorretrato/

 http://www.itacacultura.cat/

A pas de Fernando Pessoa

  El mismo día que Leopoldo María Panero nos dejaba, pudimos disfrutar de un nuevo encuentro poético en los escenarios. Fue en el bello teatro del Centre Cultural la Mercè, en Girona, lugar idóneo para disfrutar de una velada envuelta en la riqueza de las palabras. La Escola Municipal d'Humanitats presentó A pas de Fernando Pessoa, producción propia sobre textos del fundamental autor portugués y enmarcada en su ciclo A pas de poetes. La selección de poemas corrió a cargo de Xevi Planas, y sobre las tablas vimos al actor Quim Lecina acompañado de la bailarina Meritxell Cardellach.
  Se agradece la entrega de un programa de mano (más bien un cuadernillo) conteniendo los poemas escuchados en el espectáculo. La sencillez formal de Pessoa encierra, en realidad, un trasfondo humanista de profundo calado, un existencialismo que marca la personalidad del hombre contemporáneo. Pienso ahora si Panero se imaginó alguna vez como posible heterónimo encarnado de Pessoa; los sueños y la poesía se entrelazan a menudo...
  Sólo cabe felicitar a la EMHU por su iniciativa y animar a todos los gironins a seguir sus interesantes actividades e iniciativas.

Pessoa retratado por Manfredi

http://www.girona.cat/ccm/cat/emhu_presentacio.php

Adiós a un poeta

  Allá por otoño de 1.995, visité a Leopoldo María Panero en el centro psiquiátrico de Mondragón. De allí había sacado su nombre la célebre orquesta de los años ochenta, cuyo cantante y frontman había intentado tranquilizar a sus padres explicándoles que su grupo era del tipo Mocedades. Desconozco si a Leopoldo María le podía hacer gracia aquel esperpento humorístico, no se lo pregunté. Sí que me habló de su amor por la música y el teatro. Entre cocacolas y cigarrillos, uno detrás de otro, hilvanamos una conversación que ahora recuerdo con nostalgia, en el momento de su muerte.
  Aquella tarde me acompañaba mi compañero Ion Barbarin, con la intención de hacer una entrevista al poeta para publicarla en un fanzine que tenía entonces entre manos: Entre el cielo y los raíles. Cuando regresábamos de camino a casa, nos dimos cuenta de que habíamos accionado mal la grabadora y nada de nuestra charla se había registrado. Así que haciendo memoria escribí todo lo que recordaba rapidamente.
  Tras aquel primer encuentro hubo un segundo. Le entregué una copia del fanzine, aunque él me recibió más hermético que la primera vez y me despedí con la sensación de estar dentro de uno de sus poemas.
  A continuación transcribo literalmente lo que, finalmente, se publicó en aquellas páginas de aficionados a la poesía a comienzos de 1.996. 

¡VIVA EL DEMONIO!

(Encuentro con Leopoldo María Panero)

  "Pero temed más bien la ausencia de todo

   deseo

   Pero temed más bien la ausencia de frío y de 

   fuego."

                                                     L.M.P.

  En una soleada tarde de octubre llegamos a Arrasate (Mondragón), entorno cuya belleza natural contrasta con muchos de sus contenidos. Uno de ellos es el Hospital Psiquiátrico Santa Águeda, lugar de nuestra cita. Allí fuimos recibidos con los brazos abiertos por un sonriente Leopoldo María Panero, que enseguida nos confesó: "Esto parece muy bonito, pero es el infierno."

  En su habitación, máquina de escribir omnipresente, junto a numerosos libros y algunas fotos, un cartel de Teatro Matarile. Nos sorprende dándonos una copia de su última obra dramática, que proximamente se podrá ver sobre los escenarios; su título es "Carne Vale". Hablamos sobre teatro: "Ahora estoy leyendo -El teatro y su doble- de Antonin Artaud y sí, conozco -El pesanervios-, es su mejor obra."; "... también me gustan los autores del teatro del absurdo, Ionesco ha influido en mi escritura dramática, claro."; "Sí, me gustaría ver alguna de mis obras representada con marionetas, sería divertido, daría mucho juego."

  Después nos marchamos a un bar donde la charla prosiguió por otros derroteros. Frente a nosotros está un hombre inteligente, de mirada franca, desafiante unas veces, pícara otras y asomando también cierto poso de tristeza en algún momento. Leopoldo María Panero no cultiva su imagen de loco: "Resulta atractivo, me gusta ser la foto del loco ante los periodistas y medios de comunicación, pero para estar en el manicomio de las pelotas es una putada..."

  Supongo que todo aquel que escribe tiene una razón para hacerlo, en el caso de Panero, "escribo poesía como una manera de defenderme, la poesía es mi arma. A veces corrijo los poemas, pero otros se quedan tal y como los escribo la primera vez, salen ya elaborados. Mi poesía no es una obra confesional. En mi obra no hay sitio para la esperanza. Mi poesía va más allá de la deseperación. La única esperanza que tengo la representa el programa de radio."

  Leyendo la extensa obra del autor nos encontramos continuamente con citas literarias que despiertan nuestra curiosidad e interés: "Algunas de esas citas son falsas. Borges también usaba citas falsas en sus libros. Recuerdo una anécdota muy divertida en la cual Vicente Molina Foix me felicitó por haber incluido una cita de un autor raro que decía admirar mucho y que ciertamente...¡no existía!" (la carcajada es general, claro.) También el poeta incluye citas musicales en sus poemas y escucha música habitualmente: "Me gusta mucho Bach, porque su música es tan fría como mi poesía. Stravinsky utiliza una métrica en la que en ocasiones me he basado para escribir poemas. También alguno de mis poemas ha sido musicado, Luis Auserón compuso una canción con una de mis poesías."

  En unos versos de Leopoldo, "Corrección de Yeats", el poeta reza para que al morir no se le recuerde como a un loco. El poeta irlandés se sentía naturalmente atraído  por las ciencias ocultas y los fenómenos paranormales; "Sí, a mí también me atraen, como a Yeats, todos estos temas. Él pertenecía a una organización llamada -The Golden Dawn-, donde estba también Bram Stoker. Me fascina todo aquello."

  De aquí la conversación deriva hacia las figuras de Dios y el Diablo: "Creo en Dios, en el dios de Espinoza, no en el de los cristianos. Dios es homosexual y el diablo existe, está con nosotros, en la sociedad. Tengo un poema titulado -Himno a Satanás-. Pero el Diablo no es el opuesto de Dios, no es el Bien y el Mal."

  Hace tiempo que el poeta espera un traslado a Leganés, retrasado por jueces y burocracias, pero donde realmente quisiera ir Leopoldo es a Tánger: "Sigo soñando con ir a Tánger. No, no sabía que Paul Bowles vivera allí, pero sí, me gustaría conocerle. También me gustaría viajar a Hong-Kong, por los fumaderos de opio."

  Después hablamos sobre otras artes, "me gusta mucho la pintura. Los pintores son todos unos esquizos. Su obra tiene un gran valor, la pintura es una expresión transparente, mucho más que la literatura." y también sobre política: "Los políticos son todos unos paranoicos. No me interesa la política. Antes pensaba que sólo les olían los pies a los de la derecha, pero ahora veo que también a los de izquierdas les apestan; ¡los pies de Carrillo deben ser insoportables! Sí, paso de la política." (risas)

  Podría parecer que la periódica edición de libros suyos suponen un estímulo en su vida: "Hombre, sí. Pero de todas maneras hay detrás de todo eso unos intereses económicos muy claros. Sólo les interesa vender un nombre y la imagen del loco, la obra no les importa. Por ejemplo, existe en las librerías una traducción de Peter Pan firmada por mí que yo nunca he escrito. Peter Pan es un personaje que me gusta mucho, pero yo sólo redacté el prólogo para el libro, no lo traduje. Mi firma apareció por presión del editor, yo no tenía nada que ver con aquello."

  La tarde va pasando. De vez en cuando Leopoldo saluda a amigos que se acercan a nuestra mesa y la conversación continúa entre temas diversos, risas y también silencios; pero como dice uno de sus versos, "¿qué gran conversador no ha tropezado alguna vez con un silencio prolongado?" Más tarde, al salir del local, pasamos por delante de una iglesia y Leopoldo nos comenta muy divertido que los curas que viven en ella le temen, ya que le creen el Anticristo. Todos nos reímos y llega el momento de la despedida. Y ese hombre capaz de estremecernos con sus versos, que extrae a la terrible fealdad su belleza, compositor de poemas rotundos y dueño de un despierto sentido del humor, levanta el brazo y se despide al grito de "¡viva el demonio!".

Día Mundial del Teatro

  Este año celebramos el Día Mundial del Teatro con el mensaje del gran Darío Fo, cómico, dramaturgo, pensador, premio nobel de literatura en 1.997. A continuación difundo sus palabras (fuente: revista Artezblai).

MENSAJE DEL DÍA MUNDIAL DEL TEATRO

27 de Marzo 2013

International Theatre Institute ITI

World Organization for the Performing Arts

 

  Hace mucho tiempo, el poder tomó una decisión intolerante contra los comediantes al

expulsarlos del país. Actualmente, los actores y las compañías teatrales tienen dificultades para encontrar escenarios públicos, teatros y espectadores, todo a causa de la crisis. Los dirigentes, por tanto, ya no están preocupados por controlar a aquellos que les citan con ironía y sarcasmo, ya que no hay sitio para los actores, ni hay un público al que dirigirse.

  Por el contrario, durante el Renacimiento, en Italia, los que gobernaban, tuvieron que hacer un esfuerzo importante para mantener a raya a los Comediantes, pues reunían abundante público. Se sabe que el gran éxodo de actores de Commedia dell'Arte tuvo lugar en el siglo de la Contrarreforma, que decretó el desmantelamiento de todos los espacios teatrales, especialmente en Roma, donde fueron acusados de ofender a la ciudad santa.

En 1697, el Papa Inocente XII, bajo la presión de insistentes requerimientos del ala más

conservadora de la burguesía y de los máximos exponentes del clero, ordenó la eliminación del Teatro Tordinona que, según los moralistas, había acogido el mayor número de representaciones obscenas.

  En la época de la Contrarreforma, el cardenal Carlos Borromeo, que estuvo activo en el

norte de Italia, se consagró a la redención de los 'niños milaneses', estableciendo una clara distinción entre el arte, como la máxima expresión de educación espiritual, y el teatro, la

manifestación de lo profano y lo vanidoso. En una carta dirigida a sus colaboradores, que

cito de memoria, se expresa más o menos así: "Los que estamos resueltos a erradicar las

malas hierbas, hemos hecho lo posible por quemar textos que contienen discursos

infames, para extirparlos de la memoria de los hombres, y al mismo tiempo perseguir a

todos aquellos que divulgan esos textos impresos.

  Evidentemente, sin embargo, mientras dormíamos, el diablo maquinó con renovada

astucia. ¡Hasta qué punto es más penetrante en el alma lo que los ojos pueden ver que lo

que puedan leer de los libros de ese género! ¡Hasta qué punto más devastadora para las

mentes de los adolescentes y niños es la palabra hablada y el gesto apropiado, que una

palabra muerta impresa en un libro. Por tanto es urgente sacar a las gentes de teatro de

nuestras ciudades, como lo hacemos con las almas indeseables."

  Por tanto, la única solución a la crisis se basa en la esperanza de que se organice una gran

caza de brujas contra nosotros y especialmente contra la gente joven que desea aprender

el arte del teatro: Una nueva diáspora de Comediantes que, desde tal imposición, sin lugar

a dudas provocará beneficios inimaginables por el bien de una nueva representación.

Dario Fo

Traducción de Fernando Bercebal

NEXT

   El pasado fin de semana pudimos ver en el SAT, dentro de su programación de danza, este espectáculo de la compañía Mudances/Àngels Margarit, magnífica ocasión para acercarnos a la danza contemporánea de alto nivel y hecha aquí. La trayectoria de la coreógrafa catalana y su compañía es ya larga y merece la pena que sea tratada en una próxima entrada. Hoy me centro en este montaje que, personalmente, me fue envolviendo cada vez más conforme iba avanzando su desarrollo. Dos bailarinas y un bailarín en un escenario desnudo, tan sólo arropados por una iluminación de sutil elegancia y una proyección que aparecía en ocasiones, desde distintas perspectivas e incidencia en cuerpos y espacio. En Next los protagonistas exclusivos son los intérpretes y su movimiento, cómo se relacionan entre sí a través de una música que nos transporta al interior de nosotros mismos. Una calidad del gesto más contenida al comienzo (tuve en ocasiones sensaciones parecidas a las que me provoca la danza butoh, por conmovedoras, aunque en la forma estuviéramos ante otra cosa) que posteriormente se refuerza en el apoyo, el sostén que significa un cuerpo para el otro (ójala fuera siempre esto el contact...)  y que, finalmente, termina en un ejercicio de liberación que a mí me resultó hipnótico hasta el momento de los aplausos. Como fondo, la aparición discontínua de esa voz tan emocionante que es la de Chavela Vargas, que añadía más intesidad, si cabe, a la humanidad de esta pieza. Genial.

http://www.espaidansat.cat/web/index.php/next?lang=CA

Cheek by Jowl - Macbeth - Etrailer

En una entrada anterior nombré este montaje del clásico de Shakespeare. Lo disfrutamos en las Naves del Matadero, simplemente genial.

JUICIO A UNA ZORRA

  Un martes a finales del año pasado. Una sala de teatro llena. La Machi. Y yo pensando en comprarme un sombrero para poder descubrirme ante esta actriz de casta. En los días previos a mi paso por el Lliure de Gràcia  se vivió en la ciudad condal (esta denominación ya sólo puede tomarse a pitorreo; "Conde, conde, ¿qué esconde?") cierta polémica en torno a la presencia de Carmen Machi en Barcelona. La artista había firmado un manifiesto acerca de la relación entre Catalunya, España y los nacionalismos de uno y otro lado, que puede recuperarse tirando de hemeroteca y sobre el que no entraré a valorar aquí y ahora... por puro aburrimiento. Nos encontrábamos en plena campaña electoral, y aunque los vientos independentistas se calmaron como era de esperar tras las elecciones, en ese momento hubo quien quiso promover un boicot a la Machi; no le nombraré por no hacerle publicidad gratis (tampoco la necesita, ja ho sé, doncs és molt conegut...) pidiendo al público barcelonés que no acudiese a ver Juicio a una zorra. Pues bien, como ya he dicho, martes y el teatro lleno; y al final de la obra toda la platea puesta en pie para aplaudir el talento y el trabajo de una gran intérprete.
  Este monólogo dirigido por Miguel del Arco nos presenta a Helena de Troya saldando cuentas, defendiéndose en un hipotético juicio ante el jurado compuesto por el público del vituperio recibido a lo largo de los siglos... Una realidad que ha sido la de muchas mujeres, llevada a los escenarios mediante un texto inteligente que nos hace reflexionar sobre algo ya sabido: que la Historia la escriben los ganadores y casi siempre son hombres... Una puesta en escena sencilla, al servicio del texto y de la interpretación, donde el personaje sincera todo su justificado rencor por medio del alcohol, y conforme más se embriaga más libre se siente para decir todas esas verdades en voz alta. Los borrachos no mienten, dicen, y conforme su declaración avanza, parece claro que el veredicto de los espectadores la exime de culpa por unanimidad. No hay condena, si acaso no lo sea que esa sonrisa que nos provoca en muchos momentos, mude en punzada ante la injusticia.
  El único pero que me atrevería a ponerle al montaje, es el uso abusivo de la música, subrayando momentos de manera innecesaria y ese final de revista que, a mi parecer, no guarda mucha relación con el resto de la propuesta. En fin, reitero mi respeto hacia esta intérprete, popular por sus trabajos televisivos, pero que muchos ya admirábamos desde los tiempos de La Abadía. Y el Teatre Lliure la reivindica presentándola de nuevo en sus escenarios, dentro del elenco de "Dispara/ Agafa tresor/ Repeteix", montaje que comentaré en una próxima entrada.

http://www.youtube.com/watch?v=Hj-tvo8nt48

Navegants

  El pasado fin de semana se estrenó "Navegants", primer montaje de Factea, compañía y productora que echa a andar con este texto de Toni Cabré. Es loable, tal y como están las cosas, la voluntad y el esfuerzo con que este grupo de Mataró apuesta por llevar adelante su proyecto artístico, desde una profesionalidad fuera de toda duda, a juzgar por lo visto sobre el escenario de la sala Can Gassol. La obra nos presenta a dos personajes, un hombre y una mujer, que se conocen a través de facebook y la relación que establecen por medio de esta vía. Una situación en la que se entrelaza lo real con lo virtual, el juego aceptado por ambos de enmascarar quién se es realmente, las mentiras finalmente dolorosas que esconden lo que uno tiene de verdadero. La obra se estructura como un largo diálogo entre los dos, y es en este punto donde incide la puesta en escena. Pero, en mi opinión, querer trasladar a la escena la inmediatez del chat provoca que el ritmo endiablado de la propuesta haga perderse matices. Tiene gran mérito el trabajo de los intérpretes, Roser de Castro y Andreu Sans, fantásticos los dos y que llenan de credibilidad este toma y daca de verdades y engaños, pero como espectador hubiera necesitado algún momento de respiro, algún silencio. No siempre queda claro cuando los personajes son sinceros o cuando mienten, y aunque aceptemos el juego propuesto, las transiciones son tan rápidas que en ocasiones uno se siente descolocado.Aunque tal vez esto sea lo buscado, y es que la reflexión que nos proponen sobre el tipo de relaciones que establecemos hoy en día, nos hace pensar en lo descolocados que podemos estar respecto a los demás y a nosotros mismos. A pesar de todo, el engranaje funciona con gran precisión y parece que se trata de un espectáculo ya rodado; no hubiera dicho, de no haberlo sabido, que asistía a la tercera representación del mismo. También es destacable la escenografía y el diseño de luces, que ayudan mucho en la fluidez con la que pasamos de lo real a lo virtual: menos de lo que cuesta pulsar un "me gusta".

www.facebook.com/Factea

TODAS A LA UNA

  Hace dos domingos, aprovechando un viaje a Madrid, pasé por la sala Triángulo para ver a Ester Bellver y su espectáculo "Todas a la una". Guardo un gran recuerdo de esta fantástica actriz cuando la descubrí, en este mismo teatro, con su anterior "Protagonizo". En esta ocasión hilvana su nuevo montaje a partir de diferentes textos de Agustín García Calvo, prolongando la huella del autor zamorano tras su reciente marcha. El arte y buenhacer de esta actriz se mantiene intacto; una interpretación de distancia corta, que nada oculta, sincera y libre. Con espacio para la sonrisa y la ternura, en este personal diario que va desgranando sobre el escenario; también para el gesto grave, para el peso de la tradición y lo clásico. A veces liviana y a veces oscura. Oscuridad del dolor que a su vez se convierte en luz porque nos recuerda que estamos vivos. Cierto es, también, que el elemento sorpresa ya no es el mismo que al verla por primera vez; aunque esto se sustituye por una empatía casi de encuentro familiar, de confianza. Y a pesar de que la selección de textos es bastante heterogénea, lo que a mi parecer dificulta una línea de continuidad y provoca una puesta en escena demasiado fragmentada, con el paso de los días sientes el poso que ha dejado en ti. Y cobra sentido la idea de teatro como ceremonia, comunión de ideas y sentimientos.

http://www.esterbellver.com/
http://todasalauna.blogspot.com.es/

NOIES DE CALENDARI

  Tarde de teatro comercial en las Ramblas. Asistimos en el Poliorama a un pase especial para grupos (yo asisto con mis compañeros de catalán), entre alumnos de instituto, jubilados y demás público variopinto. El montaje, sobre todo en el primer acto, es previsible, de humor facilón y puesta en escena bastante acartonada. La versión femenina de Full Monty, basada en hechos reales, no termina de funcionar en el escenario barcelonés, suena todo demasiado impostado y es difícil creerse lo que pasa sobre las tablas. Sí es cierto que en el segundo acto la cosa cambia. La historia da un giro y el tono dramático que adopta la hace más interesante, por humana, apoyada, todo hay que decirlo, en unas intérpretes muy solventes. En resumen, un trabajo digno, por supuesto, pero que no coincide con el tipo de teatro que más pueda interesarme.

 http://www.teatrepoliorama.com/noies-de-calendari/

JAKE & PETE'S BIG RECONCILIATION ATTEMPT FOR THE DISPUTES FROM THE PAST/CABEZA

  Doble programa el pasado domingo en el Mercat de les Flors. En primer lugar disfrutamos con el espectáculo de los hermanos Jacob Ampe y Pieter Ampe, quienes nos obsequiaron con una creación totalmente contemporánea y totalmente agradecida para cualquier tipo de público. Son sus propias experiencias fraternales las que nutren la dramaturgia de esta pieza que, a pesar de manejar materiales por todos conocidos, mantienen a la platea con una sonrisa permanente, cuando no con la boca abierta, o con la carcajada feliz o con la mirada tierna que despiertan. A veces parece un juego de clown, otras una performance apoyada en el teatro físico; nos sorprenden cantando como unas auténticas divas soul, o dejan entrever la crueldad que esconden muchas relaciones. Porque, al fin y al cabo, estos dos hermanos presentan una historia extrapolable a cualquier convivencia humana, no sólo familiar. Y es ahí donde enganchan y la obra funciona: en la humanidad que desprende, en el cruce entre lo sutil y el trazo grueso, entre el daño y la ternura. Y con unas pocas estructuras de madera y metacrilato llenan un espacio haciéndolo vivo; y sólo con sus voces crean un espacio sonoro atractivo y sorprendente. Geniales.

 http://www.campo.nu/drupal/civicrm/event/info?reset=1&id=314
 http://mercatflors.cat/

  A continuación, y también dentro del ciclo Sâlmon, nuevo encuentro con Daniel Abreu, quien estrenaba en Barcelona su nueva coreografía, titulada Cabeza. La pieza es un solo del que él mismo es intérprete, estructurado en diferentes partes que transitan formando una línea clara de principio a fin. Se agradece la libertad con la que el bailarín/coreógrafo parece moverse, tanto en lo conceptual como en su representación física. Su calidad de movimiento, la energía que transmite y su control del espacio llenaron el escenario mientras nos interrogábamos sobre la idea de equilibrio, los vaivenes que lo amenazan o la quietud final que lo asegura. Cuestiones íntimas que atañen a todos, tratadas con una sensibilidad casi zen, pero al mismo tiempo con el peso y la fuerza de un paso seguro. Un diseño de luces que acompaña perfectamente el trayecto propuesto, la utilización justificada del humo (que no siempre es así) y una gran montonera de carbón al fondo del escenario (¿el carbón negro de nuestras almas?) arropan al bailarín, aunque ya por sí solo llenase el espacio. Un espectáculo que se disfruta en la butaca y también una vez has salido del teatro, por las preguntas que te provoca sobre ti mismo y que puedes ir abriendo en el camino de vuelta a casa. Una "Cabeza" valiente y sincera.

http://danielabreu.com/
www.salmon-dance.com

MCBTH

  El pasado sábado asistí a la representación de MCBTH, versión del clásico de Shakespeare, con el que el Teatre Nacional de Catalunya ha comenzado esta temporada la programación de su sala pequeña. Acudí con expectación, ya que la mezcla Macbeth/Rigola me resultaba, a priori, muy atractiva. La verdad es que el propio director calificó el estreno de esta producción como "desastroso", en el festival Temporada Alta el pasado mes de octubre, lo que le llevó a pedir disculpas públicas en los medios de comunicación. Pero también había explicado que posteriormente se había ajustado el espectáculo y se habían subsanado los errores de la primera función. Así que entré en la sala sin prejuicios, dispuesto a disfrutar del montaje.
  Pero el disfrute no se dio. Lo primero que llama la atención en la propuesta de Àlex Rigola es lo estático del planteamiento. No hay acción, no hay movimiento, los actores sueltan el texto como estatuas repartidas por el escenario. La pulsión del original se pierde y, en vez de emoción, provoca aburrimiento. El colmo es cuando Malcom dice todo el diálogo de una escena con las manos metidas en los bolsillos de su cazadora. Se utiliza como fondo sonoro la música de la serie "Twin Peaks", de Angelo Badalamenti, pero es tal la inmovilidad de la escena que tampoco consigue el desasosiego que persigue. Y el espacio escénico lleno de pinos navideños de plástico y una caseta de madera tipo Leroy Merlin, tampoco ayuda mucho, la verdad.
  Eché de menos las sensaciones que tuve con montajes anteriores de Rigola, como "Días mejores" o "Santa Juana de los mataderos", que me transmitieron una vivencia de teatro total. Y me vino a la memoria el magnífico "Macbeth" de los ingleses Cheek by Jowl que pudimos ver hace unas pocas temporadas. Aquello sí fue un ejemplo de lo esencial y lo rotundo, desde una visión totalmente contemporánea.

 http://www.tnc.cat/es/macbeth

Julius i Montserrat

Existen tantas y tantas metáforas para este estado actual nuestro, este estado actual mío... Con la que está cayendo, la luz al final del túnel, la larga cuesta arriba... Y de repente, en mi vuelta a los escenarios (hasta del público me ausenté) descubro a una pareja entrañable, divertida, honesta... El pasado fin de semana, el Grec daba sus últimos coletazos y, dentro de su programación, La Caldera nos ofrecía el último trabajo de una de sus compañías residentes, Búbulus Dansa, con el espectáculo "Julius i Montserrat". Montse Colomé y Carles Salas nos ofrecen, en sus propias palabras "un diálogo físico y verbal, a veces irónico, a veces triste, con humor, con ternura, directo al público." Y así es; esto no es una metáfora de nuestras vidas, es la vida puesta sobre el linóleo. Es la risa y la sonrisa, las lágrimas y el aire que llena los pulmones. Un puñado de humanidad en el escenario, espacio protector del cinismo reinante... Como ellos mismos dicen: "Julius i Montserrat" es la necesidad de que el público se cuestione su situación personal a través de nosotros."
  Y, ciertamente, viéndoles este sábado, me reconforté como persona humana que soy. Gracias. Muchas gracias.

www.bubulus.net
www.lacaldera.info

Compañía Nacional de Danza - Órbitas y Derivas, Àngels Margarit

Nuevo año, nuevas ilusiones.

  Tras mucho tiempo sin abonar estos lares, regreso, junto a la entrada del 2012, a este espacio donde compartir con todos vosotros mis inquietudes escénicas (y algunas otras). Atrás queda ya un año de muchos cambios: el principal, y motivo por el que llevo muchos meses sin escribir estas páginas, mi traslado de residencia de Madrid a Barcelona. Este cambio ha supuesto mucho esfuerzo, aunque la recompensa por ello merece la pena, desde luego. Nuevos proyectos me están esperando y soy optimista, a pesar del oscuro horizonte que parece aguardarnos amenazante. De muchas tormentas hemos salido, y el vivirlas nos ha hecho más fuertes... Tuvo que ser un veterano comprometido como Jean-Luc Godard quien nos diera, en el cine, una de las miradas más incisivas y lúcidas sobre esta actual sociedad nuestra. En "Film socialisme" la palabra radicalismo cobra sentido, porque no hace ninguna concesión (ni en elfondo ni en la forma) y mete el dedo en la llaga. Es ARTE con mayúsculas y nos lo regaló el pasado año este joven de 81 años... (y mi agradecimiento también a ese espacio de resistencia que es el Pequeño Cine Estudio de Madrid).

  Otros jóvenes veteranos, La Zaranda, me brindaron la última función teatral que viví en Madrid. En el Teatro Español, en la Plaza Santa Ana que tantas veces paseé. Genios como siempre, aunque no tan geniales esta vez... En mi opinión, "Nadie lo quiere creer", su última creación, baja un poquito su siempre altísimo listón. Su personal lenguaje, en esta ocasión, parece ir por un atajo delicado; tuve la sensación de que en la búsqueda de la risa se escogía un camino algo fácil. Aconstumbrados como nos tienen siempre a una depuración de lo esencial, a pesar de que siguen colocando un espejo (deformado) ante nosotros, y nos muestran las miserias de la corrupción que nos rodea, esta denuncia farsesca no me enamoró como otras anteriores.  

 

  También al final de la temporada pasada pude ver en el Teatro de la Zarzuela a la Compañía Nacional de Danza. De las tres piezas que conformaban el programa la que más me gustó fue "Órbitas y derivas" con coreografía de Àngels Margarit, estreno absoluto en la primera colaboración de la artista catalana con la CND. Me llamó la atención que el teatro aquella tarde sólo estuviera ocupado en la mitad de su aforo; no quise ser malpensado, pero se me pasó por la cabeza que la marcha de Nacho Duato de la compañía pudiera influir en la afluencia de público, quién sabe...                                                                                                

  Y luego llegó Barcelona... En una nueva entrada os contaré mi comienzo teatral en esta ciudad.

Todo es enredos amor.

  Esta fea imagen, que parece la campaña publicitaria de alguna de las compañías estafadoras de telefonía, es la del cartel del último estreno de nuestra Compañía Nacional de Teatro Clásico. No acierto a adivinar qué relación puede tener esta fotografía con la obra Todo es enredos amor, de Diego de Figueroa y Córdoba, versionada para esta ocasión por Julio Salvatierra. Tal vez tenga que ver con la "cierta irresponsabilidad" con la que, en el programa de mano, admite trabajar su director, Álvaro Lavín. No es esta la única muestra de gratuidad que podemos encontrar en su puesta en escena. Desde luego, hay tantas maneras para abordar un texto como directores se pongan a ello y mucho me cuidaré de decir cómo llevar una obra al escenario, ya sea clásica o contemporánea. Aún así, y aunque digan que sobre gustos no hay nada escrito (cosa falsa, por supuesto, que escrito hay y mucho), me pregunto por qué los actores pasan sobre las palabras tan precipitadamente, por qué todo me suena tan falso, por qué esa entonación que no termina ninguna frase con un punto, por qué el abuso de los apartes no funciona, por qué esa rigidez en el movimiento de los intérpretes, por qué el movimiento escénico es tan pobre (si hicieran la función todos sentados en una mesa poco cambiaría...), por qué tras una sugerente primera imagen (los carpinteros cubriendo con tiza la puerta medio en penumbra) todo se acartona y parece que asistamos a una muestra de fin de curso... Pero bueno, es sólo una opinión...

Los primeros bolos del 2011.

  Después de algún que otro fallo técnico y nervios de la primera función en Pradillo, las dos siguientes han resultado redondas. Cómo puede cambiar una misma obra de un bolo a otro... Hemos tenido mucho éxito de público, y los niños han participado jaleando a la niña valerosa hasta conseguir su objetivo. Igual que nuestro querido personaje, seguimos empeñados contra viento y marea en perseguir nuestros sueños y hacerlo junto a quien queremos. Hoy más que nunca, a pesar de las adversidades, nos empeñamos en defender los viejos oficios: el de titiritero, el de comediante, el de trovador... Desde aquí deseo mucha mierda a todos los compañeros en este año difícil que nos espera, con el convencimiento de que ninguna crisis podrá robarnos la ilusión y las ganas de seguir jugando y aprendiendo.

Natale en Casa Cupiello.

  El cambio de década me llevó a Barcelona. Allí viví el transcurso a este incierto 2011, aunque si se comportara conmigo del mismo modo que los días pasados, podría ser realmente un buen año. Entre otras cosas, tuve la suerte de poder presenciar "Natale en Casa Cupiello" en la Biblioteca de Catalunya, a cargo de la compañía laperla29, dirigida por Oriol Broggi. Ya en la temporada pasada y al comienzo de esta, la formación catalana visitó los escenarios madrileños; con "El arte de la Comedia" en La Abadía y con "Derecho a fantasma" en el María Guerrero. Todas las obras citadas están escritas por el mismo autor, Eduardo de Filippo, dramaturgo napolitano que insufla auténtica vida a sus personajes. En "Natale en Casa Cupiello", la postal navideña se despliega ante el espectador con una riqueza maravillosa, un cruce entre la Comedia dell'Arte y las pulsiones humanas de Chéjov, gracias a un texto muy divertido que encierra entrañables reflexiones sobre nuestra propia naturaleza. Cómo se agradece la limpieza en escena, los engranajes perfectos de esta pieza, merced a una dirección inteligente y a un elenco con gran nivel actoral. Tomar las uvas y participar al día siguiente de esta fiesta teatral, tiene que significar algo bueno, seguro.
http://www.laperla29.cat/

La Niña Valerosa en el Teatro Pradillo.

  Qué mejor manera para comenzar el año que subirse de nuevo al escenario. Esta semana vuelve a las tablas "La niña valerosa"; actuámos los días 4 y 5 de enero dentro del festival navideño del Teatro Pradillo. El martes tenemos doble función, a las 17h. y a las 19h. El miércoles sólo al mediodía, a las 12h. Una nueva ocasión para disfrutar de este divertido montaje para toda la familia, donde Títere Teatro Urgente mezcla actores y títeres con música en directo. Aprovecho para desearos a todos un feliz 2011, ¡salud!
http://www.teatropradillo.com/

ProtAgonizo.

  Hace dos días Ester Bellver se despedía temporalmente, esperamos, de las tablas madrileñas. Tras dos temporadas con su espectáculo ProtAgonizo en nuestra cartelera, antesdeayer llegó su última función en el Teatro Triángulo. De aquí marcha a Barcelona, donde actuará durante dos meses en la sala Porta 4. El domingo nos brindó una emotiva actuación, con su espectáculo unipersonal, escrito, dirigido e interpretado por ella misma. Sus historias se van entrelazando como mimbres que trenzan una cesta donde recuerdos, anhelos y sueños se van depositando, delicadamente, para nuestro disfrute. Un teatro íntimo, cercano, necesario. Las alegrías y decepciones de la vida, las vivencias de la niñez y las experiencias adultas, todas conforman un recorrido valiente y sincero que, desde lo personal, transcurre a lo colectivo. Quizás, como ella misma dice ("este número no funciona..."), unos pasajes nos atrapan más que otros, pero una vez metidos en el ritmo de la obra, te atrapa y ya no te suelta. Gracias Ester, y pensemos que esta no sea la última sino la penúltima, igual que cuando vamos de cañas...

http://www.protagonizo.blogspot.com/

Los ayuntamientos asfixian al teatro.

  Os dejo aquí el enlace a un artículo publicado en El País, reflejando una realidad que, por desgracia, muchos de nosotros padecemos. Sobran las palabras, en este país maleducado, inculto y semianalfabeto (tomo prestada la descripción a mi amigo Paco porque la comparto...) las cosas van de mal a peor. Y qué lástima tan grande pensar en el talento que tenemos y el desprecio que sufre... Añoro una época no vivida en la que la educación, el arte y la cultura eran importantes, antes de que los realityshows se convirtieran en nuestro patético espejo.
http://www.elpais.com/articulo/cultura/Ayuntamientos/asfixian/teatro/elpepicul/20101213elpepicul_2/Tes

P.D.: Esta foto la saqué en Cáceres. Qué paradoja, un arte tan ligado a la vida avisando del peligro de la muerte...

Historias para un desván.

  De nuevo, una semana muy intensa... El miércoles viaje en furgo hasta Cartagena, donde representamos "Historias para un desván", con la compañía Títere Teatro Urgente, con quienes justo este mes cumplo tres años trabajando... La función era en un colegio mayor, organizado todo por la Universidad Politécnica de Cartagena, y desde aquí agradezco que una institución como esta apoye la difusión de los títeres para adultos (Mingo y Nuria nos acogieron de maravilla, ¡gracias!). El público universitario pudo conocer los textos del argentino Roberto Espina, donde lo absurdo nos encara con cuestiones éticas que hoy en día casi todo el mundo quiere eludir. Tras la actuación, desmontar, cargar la furgoneta, cenar y vuelta para Madrid. Y es que al día siguiente tocaba animación en un colegio madrileño. Así que, casi sin dormir, a las nueve de la mañana me encontraba en el C.P. Leopoldo Alas donde realicé, como en años anteriores, una animación navideña. Me lo pasé genial, así que mereció la pena el esfuerzo. Luego, por fin, un poco de descanso, aunque por poco tiempo; ya están aquí las navidades y este año tengo bastante trabajo, así que os seguiré contando todo lo que voy haciendo... ¡Felices Fiestas!
http://www.teatrourgente.blogspot.com/
http://www.espinaroberto.blogspot.com/
 http://www.upct.es/contenido/destacados/ficheros/753Titere_Teatro_Urgente_2010.pdf

Hasta siempre, Enrique.

  Aunque no dedico este blog a hablar de mis gustos musicales, la pérdida del gran maestro trasciende el ámbito de la música. Su ausencia nos deja una angustia honda, una tristeza que apenas pocas horas después de su marcha se nos ha agarrado al alma como un chapapote que atenaza la vida. Se ha ido un gran maestro, un artista como pocos, un hombre de los que ya casi no quedan. Un torrente de creatividad y talento como el suyo, sólo era posible teniendo una humanidad inmensa, una generosidad de las que no se cuestionan. Ya fuera renovando los palos del flamenco, aliándose con otros artistas ajenos al mundo del cante (el ya mítico "Omega" junto a Lagartija Nick, su experiencia junto a Sonic Youth o su participación en el último disco de Los Planetas...) o reivindicando a otros genios como Lorca o al ahora recordado Miguel Hernández, su trabajo era una búsqueda, una experiencia que ensanchaba los límites del arte, los márgenes de la vida... Ayer por la tarde conocí la noticia en el mismo momento de hacerse pública, escuchando la radio mientras trabajaba. Ya no pude despegarme de Radio3 durante las horas siguientes, en las que, compungido, oía pasar a compañeros suyos despidiendo al genio. Y lloré. Morente representa un mundo que muchos compartimos, que viene del respeto hacia el pasado y proyección hacia el futuro; un mundo donde la verdadera cultura y la vida van de la mano y que nos quieren arrancar. No lo permitamos y honremos su memoria luchando como él por el arte y la vida.
                                       "Las olas van y vienen y se rompen
                                        Hay más olas que estrellas
                                        Y que gramos de arena
                                        Y contamos el tiempo
                                        Con las olas amargas coronadas de espuma."
                                                              -de "El pequeño reloj", 2003-

La fiesta del emperador.

  El pasado fin de semana tuve la suerte de ver a la compañía de títeres Karromato de Praga, programada en el Teatro Real de Madrid. Dentro de su estupendo proyecto pedagógico (por ahí detrás anda Fernando Palacios) representaron la obra La fiesta del emperador, espectáculo sin texto con música de Mozart y que es una adaptación de la pieza "El empresario teatral" del genio austriaco. A unos títeres de construcción artesanal que deslumbran por su belleza y complejidad técnica, unas delicadas sombras chinescas de precioso efecto y un teatrillo encantador que enmarca todo, se añade una gran maestría en la manipulación por parte de los artistas. La obra tiene pasajes de gran belleza plástica, momentos muy divertidos (como la escena de la pesadilla, donde todos los objetos cobran vida) y encierra un sincero homenaje a Mozart y su música. Una nueva demostración de que el teatro de títeres es teatro con mayúsculas, un género a veces menospreciado por algunos, pero que siempre nos adentra en mundos maravillosos.
http://www.karromato.cz/
http://www.teatro-real.com/

Degustación insípida.

  Esta degustación que nos trae ahora La Fura dels Baus al madrileño Teatro del Canal, resulta totalmente insípida y a más de uno se le atragantará por anodina y sonrojante. No quiero perder mucho tiempo hablando de esta Degustación de Titus Andrónicus, basada en la obra de Shakespeare. Es una verdadera pena que la música que encierra cada palabra escrita por el genio inglés, quede aniquilada en esta burda adaptación. El nivel actoral es realmente bajo, y si al montaje le despojáramos de toda parafernalia, sería como de obra de instituto. Lo de La Fura está totalmente trasnochado, esa estética cyborg a lo Neuromante da risa por ir de posmoderna siendo ya algo del pasado, y ni siquiera la parte visual del espectáculo lo salva; con lo que hoy en día se consigue en cuanto a imagen digital, ver esos vídeos como de las catacumbas del videojuego da vergüenza ajena. Pero sobre todo, unos actores que dicen el texto como si no fuera con ellos, banalizando una tragedia que aquí sólo incita al bostezo. No entiendo como muchos les siguen dorando la píldora y teniéndolos como adalid de vanguardia, por mí que sigan inaugurando juegos olímpicos...

La Zaranda.

  Hace ya unos cuantos años, en la Escuela Navarra de Teatro (ENT), en Pamplona, descubrí a La Zaranda cuando trajeron a su escenario uno de sus primeros espectáculos. Se trataba de "Perdonen la tristeza", allá por el ridiculamente mitificado noventaydos... Nunca había visto nada parecido y pocas veces se me ha vuelto a revelar algo de esa trascendencia en mi andadura artística en general y teatral en particular. Poco después ingresé en la Escuela, donde finalizaría mis estudios de Arte Dramático, y además de todos los maestros con los que tuve la suerte de aprender, ver el trabajo de compañías como La Zaranda fueron una inspiración para seguir en este mundo y no dejar de amar el teatro.

  Cuando todavía cursaba mis estudios, volvieron La Zaranda a las tablas de la Escuela: "Obra Póstuma" y "Cuando la vida eterna se acabe" se pudieron ver en Pamplona gracias a la magnífica labor que desde la ENT se ha realizado para con la vida teatral pamplonesa. Recuerdo que algunos compañeros de clase, tras ver "Cuando la vida eterna se acabe", fuimos a tomar unos vinos después de la función, para comentar lo que acabábamos de experimentar. Estábamos todos emocionados, eufóricos, temblando por lo que acabábamos de ver. La energía que había en nosotros, la inyección de pasión por el teatro que nos supuso ver a La Zaranda, se mantiene viva hoy todavía, quince años después. Aquello fue una ceremonia con la que he seguido comulgando cada vez que han estrenado nuevo espectáculo.
  Ahora acaban de recibir el Premio Nacional de Teatro. Me imagino a mí mismo saliendo ahora a la calle, en esta tarde en la que nieva sobre Madrid. Me detengo en una plaza y pregunto a los transeúntes si conocen a La Zaranda. Nadie sabe de ellos, es como si inquiriera por un fantasma. Sigue nevando, los copos me van cubriendo, como al Minetti de Bernhard. Como si fuera un personaje de La Zaranda recibiendo los aplausos que no suenan...

Finaliza Madrid en Danza.

  Este fin de semana ha concluido el festival madrid en Danza, con el que hemos podido disfrutar de propuestas muy diversas dentro del lenguaje de la danza, todas ellas igual de interesantes. El sábado asistí al espectáculo Last Touch First de la Holland Dance Production, con dirección artística y coreográfica de Jirí Kilián y Michael Schumacher. El montaje supone una apuesta arriesgada, ya que durante la mayor parte de sus sesenta minutos de duración, los seis bailarines se mueven a cámara lenta, ejecutando un movimiento ralentizado con el que crean imágenes que nos sugieren una historia. Con una puesta en escena limpia y concisa, escenografía y vestuario que nos remiten al siglo XIX, los intérpretes se esfuerzan por introducirnos en un mundo lleno de pasiones escondidas. Me vino a la memoria la película Los muertos, última obra de John Huston, basada en el relato de James Joyce, donde podemos espíar una anodina reunión familiar, y en cuyo transcurso parece no suceder nada. Sólo al final del metraje, tras un recorrido que parece no contener nada más que desgana, todo cobra sentido: en una última secuencia arrebatadora (inmensa Angelica Huston), todo lo anterior se llena de significado y una tromba de emociones y sentimientos nos arrastran sin que podamos remediarlo. Algo así me sucedió el pasado sábado con este espectáculo. Tras una primera mitad donde al público se le exige una paciencia a la que no está aconstumbrado (también encontré relaciones con la danza butoh, aunque esto era más narrativo y menos introspectivo) la parte final va cobrando una fuerza imparable y cuando menos te lo esperas estás totalmente embriagado de una energía auténtica y a la que es inútil resistirse.
  Por otro lado, ayer domingo, vimos Giselle, la relectura que Mats Ek realizara para el Culberg Ballet en 1982. Para los que sólo conocíamos la interpretación de Ana Laguna a través de youtube (aquí participa como asistente coreográfica) fue un lujo poder ver esta puesta en escena a cargo del Ballet de la Ópera de Lyon. La sala grande de los Teatros del Canal estaba abarrotada de público y la cita lo justificaba. Lo clásico y lo contemporáneo unidos en un montaje cuya belleza nos hizo olvidar durante dos horas el frío invernal que azota Madrid estos días. Y al calor de la danza esperaremos nuevas emociones sobre el escenario, ese lugar mágico del que nunca puedes evitar su llamada.
http://www.hollanddancefestival.com/
http://www.opera-lyon.com/

Giselle by Mats Ek at the Mariinsky

Jiří Kylián and Michael Schumacher - Last Touch First

Un Madrid de Cuento.

  Este sábado actué en una contada colectiva dentro del festival Un Madrid de Cuento. Junto a Teatro Urgente abrimos la sesión con el cuento El conejo en la luna, una bella historia donde el teatro de sombras apoya la narración oral. Tuvimos la suerte contar con un público encantador, predispuesto a escuchar y que creó el clima necesario para disfrutar de esta íntima leyenda. La verdad es que se nota cuando tienes delante a niños (y mayores) deseosos de escuchar historias y saben cómo participar en la actividad, porque escuchar es también algo activo: la imaginación nos implica con el mundo en el que el cuentacuentos nos sumerge...
  Después otras cuatro colegas tomaron el testigo para continuar con la sesión, de la que pudimos disfrutar ya sentados entre el público. Me encantó el ambiente que se respiraba en la sala, una biblioteca de la red de la Comunidad de Madrid, y cómo entre todos los participantes construíamos un espíritu festivalero muy enriquecedor. Entre las colegas que nos sucedieron estaba Elia de Tralará, que nos divirtió de lo lindo con el disparatado cuento El rey y el queso, con el que los niños se lo pasaron en grande. Os dejo enlace a su blog, para que podáis conocer todas las actividades que realiza con su grupo.
http://www.tralaraanimaciones.blogspot.com/

  Por mi parte, la próxima actuación que tengo es el día 9 con los Cuentos de Gasparini en Vallecas. ¡Qué vivan los cuentos!

Carmina Burana.

Spellbound Dance Company.

  La actual edición del festival Madrid en Danza se acerca a su fin. Ayer vimos, en el Teatro Fernando Fernán Gómez, a la compañía italiana Spellbound Dance Company con el espectáculo Carmina Burana. Tiene la pieza de Karl Orff, por momentos, una presencia tan apabullante que al principio parecía que música y movimiento no podían ligar bien. Con el transcurso de la coreografía, esa sensación se fue diluyendo, y finalmente la sonoridad de la partitura y el baile se hicieron uno. Una puesta en escena sobria, y la ejecución perfecta de los bailarines, nos trasladaron a una sombría edad media donde el placer y la brutalidad a veces se daban la mano. En realidad, algo no tan diferente a esta nueva edad media que ahora nos toca vivir. Será por eso que, aunque el montaje respirase sobre un velo neoclásico, resultara finalmente totalmente contemporáneo.

Cuentacuentos.

  Esta tarde he tenido sesión de cuentacuentos con mi grupo, Teatro Tamboré y la función Los Cuentos de Gasparini. Ha sido en Alcobendas, poquitos niños y revoltosos, aún así gratificante. Cada día es diferente, eso es lo magnífico de este trabajo. Un público tan sincero exige mucho, los niños no disimulan su parecer y la relación con ellos es directa, no existe la cuarta pared. Aprovechar cualquier comentario al vuelo para enriquecer el cuento, hacerles partícipes de la historia, es pura comunicación. El sábado al mediodía tengo otra contada, con Teatro Urgente, en el festival Un Madrid de Cuento. Presentamos Los Cuentos de la Luna, una función poética y divertida. Y ahora, a seguir con el cuento a otra parte.
http://www.madrid.org/cs/Satellite?blobcol=urldata&blobheader=application%2Fpdf&blobheadername1=Content-Disposition&blobheadervalue1=filename%3DFolleto+Un+Madrid+de+Cuento.pdf&blobkey=id&blobtable=MungoBlobs&blobwhere=1271775532166&ssbinary=true

SEASONS.

  Dentro del ciclo "Ritmo Vital" organizado por el grupo Neopercusión en el Centro Cultural Galileo, ayer disfrutamos de una magnífica velada. El programa estuvo compuesto por tres piezas, una de las cuales contó con el añadido de la coreografía de Michelle Man. En primer lugar asistimos al estreno absoluto de Zambra sombreá, encargo del propio grupo Neopercusión al compositor José Luis Greco. Contamos con la presencia del mismo, rememorando un pasaje de su infancia para el que quiso crear esta banda sonora; una pieza vibrante, de colores cambiantes pero siempre llena de luz y vida. Ciertamente imaginé aquel patio entre Málaga y Algeciras del que nos habló el autor. A continuación, y con la incorporación del bandeonista Fabio Carbone, llegó la ensoñación de Estaciones porteñas, que el maestro Astor Piazzola escribiera en los años sesenta. Belleza y sensualidad de tango imaginado. Tras una pausa llegaron otras estaciones, Seasons, de Toru Takemitsu. Al grupo anfitrión se unió el Ensemble Sinkro y la compañía de danza contemporánea Michelle Man and friends. Nos ofrecieron una puesta en escena en la que música y baile se complementaban perfectamente, un recorrido en el que las bailarinas se abrigaban al misterio de la música, transitando del frío invierno al jovial verano, con la luminosa primavera y el íntimo otoño entre ellos. Aprovechando los recovecos del espacio escénico y también de la partitura, terminaron de llenar de sensaciones plenas un concierto intenso y emocionante. http://www.neopercusion.com/
http://www.michellemanandfriends.com/

Festival CIBRA.

  Este sábado tengo programa doble con Teatro Urgente: al mediodía actuamos en El Escorial con "La Niña Valerosa" y por la noche participamos en la gala de clausura del festival CIBRA, Festival del Cine y la Palabra, en La Puebla de Montalbán, Toledo. En esta gala realizamos un poema visual entre títere y actor con un texto de "Romeo y Julieta", de Shakespeare. Seguro que pasamos un sábado intenso y divertido, bastantes kilómetros con la furgo, risas y algún que otro agobio, pero al final, como siempre, compensará el esfuerzo.

http://www.cibra.es/

Los Cuentos de Gasparini.

  Ayer tuvimos función con nuestra compañía, Teatro Tamboré, con el espectáculo "Los Cuentos de Gasparini". Es un cuentacuentos con el que todos lo pasamos en grande, dirigido sobre todo a los niños, aunque los padres también disfruten. Estamos en la programación de Cajanavarra en sus centros de Madrid y comenzamos las funciones en octubre. La semana que viene nos vamos a Alcobendas, donde seguirá actuando la magia de los cuentos...

http://www.teatrotambore.blogspot.com/

Nueva función de "La Niña Valerosa".

  El próximo sábado día 20, a las 12:30, nueva función con Títere Teatro Urgente en la Casa de Cultura de El Escorial. Representaremos "La Niña Valerosa", espectáculo basado en el cuento tradicional, con dramaturgia de Concha Párraga y dirección de Paulo Alexandre. Títeres y actores con música en vivo, para disfrute de pequeños y grandes. ¡Os esperamos!  

nieuwZwart.

  En "Hijos de los hombres" (Alfonso Cuarón, 2006), el personaje que interpretaba Michael Caine dice escuchar música clásica en una secuencia de la película. La acción transcurría en el año 2027 y lo que podíamos oir era King Crimson y Radiohead; esa era la música "clásica" en ese hipotético futuro. Un futuro no tan lejano, que nos llena de desasosiego tal y como hace Wim Vandekeybus, coreógrafo belga que este fin de semana nos visitó dentro del festival Madrid en Danza. Y tal vez, si en 2027 se pensara en los clásicos del cambio de siglo en las artes escénicas, apareciera su compañía Ultima Vez. En su espectáculo "nieuwZwart" ("Nuevo negro", en neerlandés) los siete intérpretes hacen honor al nombre de su formación. Salir al escenario como si no fuera a haber una próxima vez, entregarse al momento único de la representación. Noventa minutos de una exigencia física extrema (teatro físico, sí, aquí el término se llena de sentido) en los que los bailarines adoptan una organicidad subyugante. Nos conducen hacia nuestros propios instintos, muchas veces incontrolables, animales. Somos mamíferos chocando contra la misma piedra. Un espacio escénico y un diseño de luces acordes, envuelven la historia como la niebla que se introduce en un túnel sin luz al final. Y la música en directo del trío dirigido por Mauro Pawlowski, post-rock en la forma, progresivo en los desarrolllos y free jazz en el espíritu, completa un cuadro tan incómodo como irresistible.
  http://www.ultimavez.com/
  www.madrid.org/madridendanza

NIEUWZWART

Algunas de mis "publis"...

Spot Jazztel

spot Línea Directa

E.N.T. 25 Aniversario.

  Desde hace ya un mes, la Escuela Navarra de Teatro celebra veinticinco años de feliz existencia. A comienzos de octubre se dio la salida a una serie de actos que conmemoran estas "bodas de plata" entre la Escuela y la cultura teatral navarra, del resto del estado y más allá de los Pirineos... Tuvimos una gran fiesta, reencuentro de antiguos alumnos, profesores y artistas que algún día pasaron por sus aulas o por su escenario; exposición de fotografías que recorren las diferentes actividades realizadas durante este tiempo; publicación de un libro recogiendo las colaboraciones de aquellos que quisimos aportar el detalle de un recuerdo... También conferencias, concierto, actuaciones... Y lo que aún queda a lo largo del curso. Aunque sea desde la distancia, de manera intermitente y sin estar involucrado en su actividad desde hace muchos años, el amor por esta Escuela y sus integrantes siempre viajará conmigo. Querida Escuela, zorionak!

  http://www.laescueladeteatro.com/

 

MIMESI.

  Ayer asistimos en La Usina al espectáculo de danza butoh "Mimesi". Gracias a esta sala madrileña pudimos conocer el trabajo de la artista italiana Valeria Geremia, con quien ya disfrutamos durante el taller de butoh que impartió la pasada primavera en este mismo espacio. "Mimesi" ofrece una búsqueda, ahonda en la propia esencia del butoh como viaje interior. Valeria, única intérprete, nos muestra su personal recorrido en esta transformación, haciéndonos partícipes de esta coreografía íntima y, al mismo tiempo, expansiva. Refleja, como ella dice, "el ciclo de vida en un flujo perpétuo..." y nos implica en esta mutación desde la reflexión y, también, desde la emoción. Ayuda a todo esto que la coreografía sea ejecutada con una calidad de movimiento capaz de retener nuestra atención y crear el clima adecuado para ello. Un movimiento limpio y preciso, ya sea en los momentos más contenidos, como en aquellos más dinámicos. A nivel plástico destaco dos momentos: el inicio de la pieza, donde el cuerpo de la bailarina se funde con el espacio mimetizándose misteriosamente y el juego con el vestido blanco en la segunda parte. Aquí dejamos de ver a quien interpreta y tan solo vislumbramos un gesto, una expresión que nos arrastra hacia esa espiral transformadora. Valeria continúa ahora su gira española en el Festival de Butoh de Barcelona. Porque afortunadamente el viaje no termina, el camino no tiene fin...

  http://www.barcelonaenbutoh.com/
  http://www.lausina.es/